Fünf Filmhits, die für wenig Geld entstanden sind

Wenn man jung ist und niemand von seinem Talent weiß und man wenig Erfahrung in diesem Beruf hat, kann man kaum die Aufmerksamkeit großer Produzenten und Investoren auf sich ziehen. Aber alle legendären Regisseure haben irgendwo angefangen, und nicht immer hatten sie Geld, um ihre Ideen zu verwirklichen.

 

Wir wollen herausfinden, welche Tricks und Opfer junge Filmemacher bringen mussten, um ihre ersten Hits zu drehen.

Fünf Filmhits, die für wenig Geld entstanden sind

Autor: Kyrill Krasnov

Wenn man jung ist und niemand von seinem Talent weiß und man wenig Erfahrung in diesem Beruf hat, kann man kaum die Aufmerksamkeit großer Produzenten und Investoren auf sich ziehen. Aber alle legendären Regisseure haben irgendwo angefangen, und nicht immer hatten sie Geld, um ihre Ideen zu verwirklichen.

Wir wollen herausfinden, welche Tricks und Opfer junge Filmemacher bringen mussten, um ihre ersten Hits zu drehen.

FOLLOWING (1998)
Regie: Christopher Nolan
Budget: 6.000 Dollar
Die Idee zu seinem Debütfilm kam dem späteren Regisseur von Interstellar, The Prestige und The Dark Knight, als in seine Wohnung im Zentrum Londons eingebrochen wurde. Nolan fragte sich, was die Einbrecher von ihm als Person hielten, als sie seine persönlichen Gegenstände durchsuchten.
So entstand das Drehbuch „Following“ über einen gescheiterten Schriftsteller und einen Einbrecher, die gemeinsam agieren, aber noch nicht wissen, dass der eine in den heimtückischen Plan des anderen verwickelt ist.
Der Film wurde samstags gedreht, weil die Darsteller oder die Crewmitglieder wochentags zur Arbeit gingen. Der Prozess zog sich über ein ganzes Jahr hin, denn an einem Tag konnten nur 15 Minuten Material mit einer Handkamera gedreht werden. Aber die harte Arbeit hat sich gelohnt, und „Following“ wurde nicht nur zu einem der populärsten Filmdebüts, sondern auch fast der billigste Film der Kinogeschichte.

El Mariachi (1992)
Regie: Robert Rodriguez
Budget: 7.000 $
Ein armer Musiker wird von lokalen Mafia-Clans fälschlicherweise für einen brutalen Killer gehalten. Der Held muss seine Gitarre wegwerfen und zu den Waffen greifen. Dies ist die Handlung von Robert Rodriguez‘ erstem Film, den er in einem medizinischen Labor schrieb.
Um das Geld für die Produktion des Films aufzutreiben, nahm der Regisseur an einem Drogenversuch teil. Dafür wurde er mit 3000 Dollar entlohnt. Weitere 4000 Dollar verdiente auf die gleiche Weise sein Freund Peter Marquardt.
Während der Dreharbeiten wandte Rodriguez zahlreiche Tricks an, um die Produktionskosten zu senken. So füllte er zum Beispiel Kondome mit Kunstblut, die dann platzten und Wundspuren auf dem Körper hinterließen. Der Regisseur fuhr die Kamera sogar auf einem ausrangierten Rollstuhl. Die Crew hatte auch keine Tonausrüstung, also wurde der Film ohne Ton gedreht, und die Zeilen und Effekte wurden in der Nachbearbeitung eingefügt. Es gab viele Einschränkungen, aber sie hinderten den Film nicht daran, eine Million Dollar an den Kinokassen einzunehmen, und Rodriguez begann seine erfolgreiche Karriere in Hollywood.

Eraserhead (1977)
Regie: David Lynch
Budget: $10000

Dieser surrealistische Körperhorror hat in vielerlei Hinsicht David Lynchs gesamtes Schaffen geprägt. Obwohl niemand im Publikum die Handlung des Films verstehen kann, hatte er einen solchen Einfluss auf das Kino, dass die Library of Congress ihn als kulturell bedeutsam anerkannte und in das National Film Archive aufnahm.
Nur wenige Menschen waren bereit, in das Debütprojekt eines unbekannten Autors zu investieren. Um Geld für die Produktion aufzutreiben, arbeitete der aufstrebende Regisseur in Teilzeit als Zeitungsausträger. Er plante, eine Finanzierung durch das American Film Institute (AFI) zu erhalten, aber das AFI sah sich das 20-seitige Drehbuch an und sagte, sie seien nicht bereit, alle Produktionskosten zu übernehmen. Er erhielt einen bescheidenen Zuschuss, der nach drei Jahren vollständig aufgebraucht war.
Am Ende dauerten die Dreharbeiten ganze fünf Jahre. In dieser Zeit trennte sich Lynch von seiner Frau, er trieb es mit ihr und schlief sogar ein Jahr lang am Set – nämlich im Schlafzimmer der Hauptfigur Henry. Doch der Erfolg des Bandes war fantastisch: Es brachte den Machern 7 Millionen Dollar ein und wurde zum Ausgangspunkt für die Regie-Legende. Nun, und in der Liebe mit „Eraserhead“ später gestand Stanley Kubrick und John Waters.

Clerks – Die Ladenhüter (1994)
Regie: Kevin Smith
Budget: 27.000 $
Kevin Smiths erster Film war eine schwarz-weiße Komödie über junge Leute, die als Verkäufer und kleine Angestellte in kleinen Läden in New Jersey arbeiten. Um das Geld für den Film aufzutreiben, musste Smith seine riesige Comicsammlung verkaufen. Mit seinen persönlichen Ersparnissen konnte er einen Teil der Produktion bezahlen, der Rest wurde von Verwandten und Freunden beigesteuert, von denen sich der Regisseur etwas lieh.
Gefilmt wurde alles in dem Geschäft, in dem Smith zu der Zeit arbeitete. Er vereinbarte mit dem Besitzer, außerhalb der Arbeitszeit zu drehen, und dieser stimmte zu. Die Dreharbeiten dauerten 21 Tage: Während dieser Zeit konnte der Regisseur nur wenige Stunden am Tag schlafen.
So konnte Smith zwar viel Geld sparen, aber seine Nerven und seine Gesundheit ruinieren. Nach Abschluss der Dreharbeiten begann der Regisseur, der eine ablehnende Haltung gegenüber Zigaretten hatte, zwei Päckchen pro Tag zu rauchen. Das Absurdeste an der ganzen Geschichte war, dass Smith und sein Team später für den Kauf der Musikrechte ein paar Hundert Dollar mehr ausgeben mussten als für den Rest des Budgets. Das war dann der erste derartige Fall in der Geschichte des Kinos.

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ARTHOUSE VERSTEHEN

Wir beantworten die „peinlichsten“ Fragen darüber, was Arthouse-Kino ist, warum es langweilig ist und mit welchen Filmen man üben kann.

Ich höre oft den Begriff „Arthouse“, aber ich kann nicht ganz begreifen, was er bedeutet. Ist es peinlich?

Nein. Es gibt überhaupt keine strenge wissenschaftliche Definition von „Arthouse“, und die Grenzen des Begriffs sind so unscharf wie möglich. So werden als Arthouse oft Filme bezeichnet, die nicht für ein breites Publikum bestimmt sind. In diesem Fall ist die gängigste Interpretation vielleicht „nicht für jedermann“. Aber unter diesem Kriterium werden auch Festivalfilme, Experimentalfilme und alle ausländischen Filme, die nicht in englischer Sprache sind, erfasst. Jemand anderes wird das gesamte Low-Budget-Kino der Welt in die Liste der Arthouse-Filme aufnehmen. Aber das würde keine Gewissheit bringen.

ARTHOUSE VERSTEHEN

Autor: Jana Mehlman

Wir beantworten die „peinlichsten“ Fragen darüber, was Arthouse-Kino ist, warum es langweilig ist und mit welchen Filmen man üben kann.

Ich höre oft den Begriff „Arthouse“, aber ich kann nicht ganz begreifen, was er bedeutet. Ist es peinlich?

Nein. Es gibt überhaupt keine strenge wissenschaftliche Definition von „Arthouse“, und die Grenzen des Begriffs sind so unscharf wie möglich. So werden als Arthouse oft Filme bezeichnet, die nicht für ein breites Publikum bestimmt sind. In diesem Fall ist die gängigste Interpretation vielleicht „nicht für jedermann“. Aber unter diesem Kriterium werden auch Festivalfilme, Experimentalfilme und alle ausländischen Filme, die nicht in englischer Sprache sind, erfasst. Jemand anderes wird das gesamte Low-Budget-Kino der Welt in die Liste der Arthouse-Filme aufnehmen. Aber das würde keine Gewissheit bringen.

OK. Aber woher stammt dieses Konzept?

Alles begann in den 1940er Jahren in den USA. Art House nannte man damals Kinos, deren Repertoire alles umfasste, was in normalen Kinos nicht zu sehen war: klassische Vorkriegs-Hollywoodfilme, radikale Filmexperimente sowie ausländische (nicht amerikanische) und einheimische unabhängige Filme. Das Hauptkriterium für die Auswahl war die Ungewöhnlichkeit und Seltenheit des Films. Dies wurde vor allem durch eine einfache Methode erreicht – Verweigerung im historischen Kontext: Das Arthouse-Repertoire musste nur mit dem aktuellen Filmgeschehen verglichen werden. Das Kabinett des Dr. Caligari“ (1920), das aus dem Kontext des Ersten Weltkriegs herausgelöst wurde und den Zuschauern der 1960er Jahre erwartungsgemäß fern und unverständlich blieb, erlaubte es diesen Zuschauern, ihre Unverständlichkeit (d. h. ihre ‚Unvertrautheit‘) auf das Vorhandensein einer wertvollen künstlerischen Qualität zurückzuführen.

Nun, vielleicht. Aber, was hat das alles mit der Moderne zu tun?

Kurz gesagt: Die Arthäuser sind verschwunden, aber das Wort für ihr Repertoire – „Kunstkino“ – ist geblieben. Die ganze Arthouse-Sache hat eine neue Art der Wahrnehmung des Kinos geprägt: Ob zeitgenössisch oder aus einer vergangenen Epoche, spielt keine Rolle. Von nun an wird die Unverständlichkeit bestimmter Momente eines Films nicht mehr zum Signal für eine verzweifelte Suche nach dem Kontext (unter welchen soziopolitischen Bedingungen der Film entstanden ist), sondern für eine Suche nach besonderer Kunstfertigkeit. Ist das Kino nun Kunst oder nicht?

Nun gut. Das mit dem Künstlertum ist wohl klar. Aber können Sie mir einige Kriterien für einen Kunstfilm nennen?

Der amerikanische Filmwissenschaftler David Bordwell sagt, das Hauptmerkmal eines Kunstfilms sei seine Unähnlichkeit zum klassischen Hollywood-Kino. Während die Handlung in Hollywood-Filmen immer nach der Formel „Ursache – Wirkung“ oder „Problem – Lösung“ abläuft, zeichnet sich der Kunstfilm durch große Lücken in der Handlung aus, wo nicht jedes „Warum?“ beantwortet wird. Das Arthouse zeichnet sich eher durch einen Ansatz aus, der den Fluss der Existenz fixiert. Daher die Langeweile, die solche Filme oft hervorrufen.
Erinnern wir uns zum Beispiel an Ingmar Bergmans Film „Wilde Erdbeeren„ (1957). Anstatt die Quelle der existenziellen Krise des Protagonisten klar zu benennen, bietet der Autor dem Zuschauer nur eine Reihe vager Erinnerungen und Träume. Im Gegensatz zu dieser nicht-linearen Erzählung eines Kunstfilms, in dem der Held passiv von einer Situation in die nächste gleitet, eilt die Figur in einem Hollywood-Film immer geradlinig auf die Lösung des Hauptkonflikts des Films zu.

Also muss ich nur herausfinden, ob der Film, den ich vor mir habe, aus Hollywood ist oder nicht? Klingt einfach.

Nein, das ist auch nicht einfach. Schon innerhalb der Einteilung in Hollywood- und Arthouse-Filme gibt es so ein hybrides Konzept wie z.B. Hollywood-Arthouse (oder es wird auch „Artstream“ genannt – vom Wort „Mainstream“). Diese Filme stehen mit einem Bein in der Welt des Autorenkinos, und auf der anderen Seite sind sie große Projekte mit Hollywood-Budgets und seriösen Kollektionen. Versuchen Sie zu beweisen, dass K. Tarantinos „Pulp Fiction“ (1994) definitiv Arthouse oder nicht Arthouse ist!

Na ja, okay. Sie sprachen von Langeweile... Ich habe neulich einen Arthouse-Film gesehen, der mir nicht gefallen hat. Was soll ich tun?

Zunächst sollten Sie bedenken, dass sich ein Kunstfilm auch durch die Rolle des Zuschauers von allen anderen unterscheidet. Ein Arthouse-Film erfordert aktives Zuschauen, während derselbe Hollywood-Blockbuster ein passives Publikum anregt. Einfach ausgedrückt: Art House fragt den Zuschauer immer, was er denkt, anstatt ihm zu sagen, was er denken soll.
Zweitens: Denken Sie an die Arthouse-Filme der 1940er Jahre: Wenn das ursprüngliche Hauptmerkmal eines Arthouse-Films das Fehlen eines bestimmten Kontexts ist, dann kann der Arthouse-Film, den Sie sehen, in jeden beliebigen Kontext eingefügt werden, der Sie interessiert. Spielen Sie mit Bedeutungen, stellen Sie eine Lebenssituation, ein kunsthistorisches Problem oder sogar eine philosophische Theorie an die Stelle, die unerklärt bleibt.

Womit kann ich üben?

Versuchen Sie es mit Filmen von Carl Theodor Dreyer, Ingmar Bergman oder z. B. Weerasethakul Apichatpong – damit können Sie nichts falsch machen. Wenn Sie daran denken, dass Arthouse nicht nur eine bestimmte Art von Film sein kann, sondern auch eine Art, Kino zu sehen, dann üben Sie an allen Filmen.

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